Méli-Mélo (4)

Ok, ça fait très longtemps que j’ai ça en suspens, ne trouvant jamais le temps de compléter; aujourd’hui j’en ai un peu, alors voilà, quelques liens commentés d’articles publiés cet automne (aux sujets sans lien avec une actualité passée, on ne perd rien à les lire maintenant).

The New Patriotism, Matthew Weise

“I’ve got no problem with portraying soldiers as human beings. But I’ve got a problem with portraying them as human when our culture – still, over a decade later – has such trouble portraying the humanity of the other side(s). You read reviews for all this dreary post-Private Ryan war docudrama stuff and you get the impression America is patting itself on the back for embracing the realities of war. We invade countries then make movies about how we shouldn’t have and give ourselves awards for portraying the realities of the traumas we’ve suffered. Where are the major, gritty mainstream movies about the suffering we’ve caused? Where are their Oscars, their glowing reviews in TIME? You know, we’d all be a lot less impressed with masterpieces like The Wire if all that aching, messy humanity was reserved only for the cops. We’re a lot easier to impress when it comes to depictions of war. We talk about anything that isn’t a cartoon, that isn’t Rambo, like it’s a major achievement.”

Un texte qui rejoint ce que j’aurais écrit sur Zero Dark Thirty dans ma critique hypothétique : l’Amérique qui pleure sa souffrance quand elle est essentiellement l’agresseur, c’est pas mal indécent (bien sûr qu’elle souffre et qu’elle peut en parler, mais alors il faut qu’elle sorte de son nombril, sinon ça ne fait que renforcer le clivage avec la victime, qui devient responsable de cette souffrance). Mais quand j’avais mis de côté ce lien, je n’avais pas encore vu l’épisode de Louie dont l’article fait mention, celui où le comédien Louis C.K. fait une tournée avec les troupes américaines en Afghanistan. Maintenant chose faite, je ne comprends pas du tout pourquoi s’attaquer à cet épisode, qui ne cherche pas vraiment à “humaniser” les soldats (Louis est assez intelligent pour savoir qu’ils sont déjà humains), et qui se termine avec une très naïve réconciliation entre des soldats et de possibles terroristes, une très belle scène (s’il faut en croire le générique, ce serait une idée de la fille de Louis). Le problème de l’Autre, dans la représentation de la guerre, se pose surtout au niveau de la violence, de la justification de celle-ci, mais les soldats dans Louie sont au repos, il n’y a vraiment aucune raison de faire un contrechamp sur l’Autre. Et si vous ne connaissez pas Louie, c’est, franchement, l’un des plus essentiels objets audiovisuels du moment, à voir sans faute (je n’en dis pas plus, j’en reparlerai bientôt).

Fake deaths, cheap ressurections, and dealing with real grief, William Hughes

I’ve become a death elitist in the last few months. I watch actors, analyze scripts, judge the editing and the pacing of death scenes, try to gauge whether anyone involved has a real understanding of grief. The PG-13 rating, which divorces death and violence from blood and consequences, has become my nemesis. It’s not that everything needs to be drab or moroseby all means, Sterling Archer can and should go on as many rampages as he likesbut when a show or movie asks me to feel a death, it had better take it seriously. Nicholas Meyer killing Spock at the end of Wrath Of Khan works, because the characters, and the movie itself, treat it as real. Contrast that with the cowardly handling of Kirk’s “death” in Star Trek Into Darkness, with J.J. Abrams and crew milking the moment for fake emotion while desperately foreshadowing that everything’s going to be okay. For Abrams and his writers, death is little more than a screenwriter’s tool to evoke emotion, and that cavalier attitude toward one of the universal human experiences makes everything about his film feel hollow.

Worse, it trivializes the most terrible aspect of death: Its permanence.

Jozef Siroka a aussi abordé un sujet semblable au début de l’hiver. Je n’ai rien à rajouter, ça parle tout seul, et ça va dans le sens de La Chute de l’Homme. En fait, la mort de la mort est la meilleur indication que l’homme a bien chuté : devenu immortel, l’homme n’a plus rien de l’homme. (Puisqu’il est devenu un surhomme et non un sous-homme, peut-être que je devrais dire l’Ascension de l’Homme… L’idée ne passerait pas aussi bien, me semble.)

In defense of spoilers, Jonathan Rosenbaum

2. The whole concept of spoilers invariably privileges plot over style and form, assumes that everybody in the public thinks that way, and implies that people shouldn’t think any differently. It also privileges fiction over nonfiction (although Terry Zwigoff actually once complained about some reviewers of his Crumb including the “spoiler” that Robert Crumb’s older brother, Charles, committed suicide), and I’m not clear why it necessarily should. Why is it supposedly a spoiler to say that Touch of Evil begins with a time bomb exploding but supposedly not a spoiler to say that the movie begins with a lengthy crane shot? Is it a spoiler only to say that Dorothy travels from Kansas to Oz, or is it also a spoiler to say that The Wizard of Oz switches from black and white to color?

Belle analyse de ce qui est sous-tendu dans l’obsession envers les spoilers. Je ne sais pas d’ailleurs pourquoi il y a une telle rage autour d’un spoiler révélé : si ton appréciation d’un film ne tient qu’à cet effet de surprise, peut-être que ça vaut pas vraiment la peine de le voir, ce film, non? Tout film le moindrement émouvant, passionnant, ne s’évanouira pas aussitôt son scénario divulgué.

Steve Albini on the surprisingly sturdy state of the music industry – in full, une conférence de Steve Albini, transcrite au Guardian

This explains my enthusiasm for the way the music scene has changed, but what about my optimism? I would like to address a platitude about the online exposure of music. From all quarters we hear that, this is the platitude: “We need to figure out how to make internet distribution work for everyone.” I use finger quotes to indicate intellectual distance between myself and the quotation. I have a friend, Tim Midgett, who uses three fingers for finger quotes to indicate extra irony. This is a two jobber.

I disagree with this rather inoffensive platitude. It’s innocuous and vapid and fills the air after someone asks the question, “How is the music scene these days?” And it maintains hope that the current state of affairs as mentioned, presumed to be tragic, can be changed for the better. For “everyone”. That word everyone is important to the people using the sentence. In their mind the physical distribution model worked for everyone. But the new one does not. Not yet, not yet. Not until we “figure it out”. I’m sure we’re all going to get tired of me doing that [air quotes].

Il faut aimer Steve Albini, grand producteur (Pixies, Nirvana, PJ Harvey, GyBE!, Neurosis, Joanna Newsom, etc., etc.) et musicien (Big Black, RapemanShellac), un fier indépendant qui vante dans ce discours le modèle de distribution numérique, en s’attaquant aux pessismistes arguments de l’industrie qui disent parler pour “everyone”.

Far Cry 4 Review : Content is King, Austin Walker

In the year of “Press F to pay respects” and “Press X to kiss your wife”, one has to wonder if AAA has learned all the wrong lessons from the rise of “empathy games” in 2013. When spiritual and emotional growth have to be codified in bland progression systems, it betrays a lack of confidence in the game’s story telling. So, like an animal that smells fear, I lose confidence in the game, too.

C’est fou le nombre de trucs insipides que nous demandent de faire les jeux vidéo modernes! Et puisque j’ai l’âme d’un complétiste, un peu comme au cinéma je dois rester jusqu’à la fin du générique, dans un jeu j’ai l’impression qu’il faut que je passe à travers tous les objectifs secondaires, que je dois trouver tous les cossins cachés sur la carte (damn you, Ubisoft!), etc. Ça me prend toujours la moitié du jeu (genre 20h) avant de me décourager et de soupirer devant toutes ces heures perdues, après quoi je termine le scénario en toute vitesse et je passe à autre chose, avec un sentiment tout à fait illégitime de ne pas avoir vraiment terminé le jeu. En tout cas, cette façon d’enfler les jeux avec une tonne de contenu secondaire d’une inutilité flagrante m’a fait décrocher du mainstream. Je sais bien que je pourrais ignorer tout ce contenu, mais je n’y arrive pas (pourquoi, docteur?), alors je me suis tourné vers de plus vieux jeux ou des trucs indépendants (essayez Glitchhickers, c’est gratuit et ça dure 20 min. – ça, c’est mon genre de jeu!) C’est aussi, ultimement, plus inspirant (qu’on se sent vide après un jeu AAA d’Ubisoft!)

Whitehead on Causality and Perception, Steven Shaviro

We experience causal efficacy not only because we are bodies, but also because we feel, and subsist within, the passage of time. Whitehead argues that Hume’s sceptical conclusions “rest upon an extraordinary naive assumption of time as pure succession” (S 34). This notion of “pure succession,” or time as an empty form, “is an abstraction from the irreversible relationship of settled past to derivative present” (S 35). In actual concrete experience, we feel time as “the derivation of state from state, with the later state exhibiting conformity to the antecedent… The past consists of the community of settled acts which, through their objectifications in the present act, establish the conditions to which that act must conform.” (S 35).

In other words, experience does not only happen in the present moment, in the Now. It also comprehends the past, and projects toward the future. Even the most “primitive living organisms… have a sense for the fate from which they have emerged, and for the fate towards which they go” (S 44). Time is not so much the measure of change, as it is the force of “conformation”; and it is only against the background of this force of conformation that change is even possible:

The present fact is luminously the outcome from its predecessors, one quarter of a second ago. Unsuspected factors may have intervened; dynamite may have exploded. But, however that may be, the present event issues subject to the limitations laid upon it by the actual nature of the immediate past. If dynamite explodes, then present fact is that issue from the past which is consistent with dynamite exploding. (S 46)

[…]

For Hume, Kant, and their modern successors, we cannot talk about causality without first accounting for how we know that causal relations between ostensibly independent entities can exist. But Whitehead argues that even to raise the question of how we know is already to have accepted the operation of causal efficacy, in the form of the “conformation of present fact to immediate past” (S 41). Whitehead thus cuts the Gordian know of Kantian critique; he frees speculation from the grim Kantian alternative of either

1. being subjected to critique, which is to say to prior epistemological legitimation, or

2. being rejected as simply “dogmatic.”

Bon, je ne me rappelle plus vraiment du reste du texte, mais il présente, ce me semble, une vision alternative du temps et de la causalité, celle de Whitehead. Je ne connais ce philosophe que de nom, mais il m’intrigue fortement depuis, d’autant plus qu’un autre de mes blogueurs favoris l’a abordé récemment, Chris Bateman, au sujet d’un a priori de la philosophie sur la réalité matérielle. Un extrait :

“the key to his [Whitehead] critique of materialism is the assumption that we have a complete picture of reality when we know what kind of matter is at what location. Whitehead’s counter is that the notion of simple location at the heart of this mythos is misguided (and even more so after general relativity is taken into account). Location alone is not sufficient to describe everything that happens within our universe; we have to take into account the relations between entities – and these relations should be tracked in every context where they (if you’ll excuse the pun) matter. Materialism has had to invent ideas such as ‘emergence’ to deal with this problem – which is actually only a problem within that specific mythos. For Whitehead, relation is what’s important: track the relations, and everything becomes more comfortably explicable.”

Et à partir de là, le problème de la “conscience” n’en est plus un, parce qu’on n’a plus à se demander où se trouve cette conscience dans le monde matériel. Enfin, je garde ça en suspens, parce que j’ai un texte à saveur purement philo que je pense écrire à partir de Kierkegaard, et ça touche ces questions. J’y reviendrai alors.

Want to learn about game design? Go to IKEA, par Jamin Warren

For example, the main aisle of IKEA is supposed to curve every fifty feet or so, to keep the customer interested. A path that is straight for any longer than that is called an Autobahn: big and boring. And if you look at the level design of a contemporary first-person shooter, you’ll find the same thing. The path is constantly curving to keep you enticed by what lies around the bend. This path through IKEA creates what’s called “organized walking.” And, like any good tutorial, there are no attendants in the showroom, so you have to figure it out yourself.

Une analyse fascinante du design IKEA, comment les magasins nous dirigent par leur architecture, leur éclairage, en lien avec comment les jeux vidéo doivent guider le joueur dans l’espace.

What a virtual reality art show could say about the future of games, Keith Stuart

The artist Mark Farid is preparing to become someone else for a month. In a fascinating experiment, currently seeking support on the crowd-funding site Kickstarter, he plans to take up residence in a London gallery, don a virtual reality headset and noise-cancelling earphones, and give over his senses to a single incoming feed.

This feed will be provided by “the other”, a volunteer who will wear a pair of spectacles equipped with cameras that record everything they do from the first-person perspective and send this live to Farid’s headset. The artist will have no other contact with humans. He will live in the experience of this other person.

The point is discover how adaptable the brain is to another physical body – and whether our sense of self comes from inherent personality or cultural identity. It is, of course, a question philosophy has toyed with for hundreds of years: is the body a mere sensory vessel for the brain, or is identity inextricably linked to its physical manifestation?

Ces expériences de réalité virtuelle extrêmes sont plus troublantes que fascinantes, quant à moi : est-ce qu’on a besoin de se transposer dans le corps d’autrui pour s’identifier à lui, pour éprouver de l’empathie? Et qu’est-ce que ça vaut, un mois dans le corps d’autrui, d’autant plus que l’artiste ne sera pas littéralement dans le corps d’autrui (il doit se nourir par lui-même, il ne peut partager ses sensations, et s’il n’a pas envie d’uriner en même temps que son avatar réel, etc.)? Un mois, dans une vie, ce n’est rien, surtout quand c’est un mois pour un adulte déjà formé, qui a une longue expérience qui nous est inconnue – que peut-on comprendre de ce mois qui nous appartient pas? Fascinant, certes, mais ultimement insignifiant.

Unforeseeable Sentences, Nathan Altice

And presuming that Google, Amazon, or YouTube one day distill serendipity to a pristine algorithmic experience, we still lack a compelling interface with which to browse, a digital remediation of our hands, feet, and eyes. Let’s even strip away all the other attributes that make library books compelling—typography, the texture of pages, marginal scrawls, date stamps, covers, the bustle of imperfect silence, the feeling of reading among other readers—and reduce books to uniform spines set in identical type listing their names. I can still browse dozens of titles at a glance, scanning in rows, columns, or haphazardly, far faster than I can browse through Amazon, whose entire interface is designed to distract and entice. And when I pull that book from the shelf and flip through its pages, I have a fundamentally different experience than clicking the ‘Look inside’ logo and browsing the pages the publisher has granted Amazon the privilege to reproduce.

Différence du numérique avec la “vraie chose”, un sujet qui me tient à cœur. Ce n’est pas seulement une question de “toucher”, ou de “présence physique”, mais bien toute notre façon d’interagir avec l’objet (ou son avatar virtuel). C’est sûr qu’avec Google ou Amazon je trouve des références que je n’aurais pas dénichées autrement, mais j’aime encore mieux aller à la bibliothèque, trouver cette référence et regarder tout ce qu’il y a autour dans les rayons. C’est là qu’on tombe sur les perles, les trucs qu’on avait oubliés, ceux qu’on ne savait pas qu’ils existent. Et en plus, pas de publicités entre les livres, et aucune de ces suggestions mesurées et calculées pour nous plaire (à la Netflix et Amazon), qui font perdre toute curiosité et nous encouragent à rester bien confortable dans ce que nous connaissons déjà.

Livin’ Thing : An Oral History of Boogie Nights

C’est ce que c’est, un long compte-rendu fascinant sur la production de Boogie Nights. J’avais revu le film cet été, un peu déçu : la première partie est formidable, mais après le point-milieu, la partie 80’s tombe facilement dans la décadence et le oh! c’est pas beau finalement la porno! Cette manière de punir en un deuxième temps les plaisirs qu’on a pu éprouvés dans un premier temps est trop hypocrite (Magnolia, c’est encore le meilleur PTA je pense, avec hésitation envers There Will be Blood).

The Accurate Erotics of “Fifty Shades of Grey”, Richard Brody

The perfunctory sex scene is a problem of romantic comedy and of serious drama alike. Usually, it involves a cut from a couple at a restaurant or in a car to the two of them pneumatically heaving in bed, or pounding unseen flesh while still mostly dressed and standing in a vestibule or a kitchen or a hotel room. The scene elides the stages of erotic progress, from the restaurant to the car to the door, from the first kiss and the aroused gropes to the subtleties of tender empathy and intimate knowledge that make the difference in any encounter. In short, they’re sex scenes in which everything sexy is eliminated. It’s not that the good stuff was left on the cutting-room floor; it was never filmed, or mentioned in the script, or imagined by the director and screenwriter.

Je n’ai pas vu Fifty Shades of Grey et ce que Brody en dit ne m’inspire guère, même s’il est assez enthousiaste, mais ça c’est très vrai, Hollywood ne sait pas filmer le sexe. Il y a des scènes plus érotiques, par ce qu’elles suggèrent, dans les films des années 30-40 que ces banales scènes de sexe obligatoire que l’on retrouve aujourd’hui.

***

Sinon, quelques bons films vus récemment : Foxcatcher, Leviathan (d’Andrey Zvyagintsev), Timbuktu, John Wick, tous appréciés à divers degrés, mais rien qui ne m’inspire vraiment (sauf peut-être Timbuktu). Dans les plus vieux, l’incroyable You live only once de Fritz Lang et le fort divertissant Death Race 2000, et tous les Dirty Harry, qui sont très surprenants (je recommanderais particulièrement le Sudden Impact réalisé par Eastwood, un film beaucoup plus sombre où Harry devient pratiquement un personnage secondaire, Eastwood laissant la place à une femme qui prend la justice entre ses mains après avoir été victime d’un viol collectif, et Dead Pool, le dernier, un tout autre registre, vraiment plus ancré dans l’action 80’s, avec poursuites en voiture (avec une voiture téléguidée!), un sidekick asiatique pour un combat d’arts martiaux, une mort originale suivi d’un one-liner irrésistible, une séquence musicale psychédélique sur Guns & Roses, une critique de cinéma qui se fait abattre façon giallo par le tueur (pour l’anecdote, elle ressemble à Pauline Kael, qui avait descendu le premier Dirty Harry en le qualifiant de fasciste), les premiers rôles, je pense, de Liam Neeson et Patricia Clarkson, et un côté auto-réflexif fort intéressant dans la carrière d’Eastwood (sur le culte de la violence dans les médias), même si c’est évidemment hypocrite dans le contexte du film).

Côté lecture, j’ai finalement lu le Cinema of Loneliness de Philip Kolker qu’on m’avait recommandé il y a déjà un bon 5 ans et que j’aurais dû lire avant. Le chapitre autour de Spielberg, sur la digital mise-en-scene, est particulièrement pertinent dans l’optique de la Chute de l’Homme. J’avais écrit quelques mots là-dessus que j’avais mis de côté, je vais essayer de les retrouver.

Sylvain Lavallée Écrit par :

“Car une chose est d’apprendre à regarder les films « en professionnel » – pour vérifier d’ailleurs que ce sont eux qui nous regardent de moins en moins – et une autre est de vivre avec ceux qui nous ont regardés grandir et qui nous ont vus, otages précoces de notre biographie à venir, déjà empêtrés dans les rets de notre histoire.” Serge Daney

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